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ST-ART 2019, 24e édition
Du 15 au 17 novembre 2019
Ouverture au public : du 15 au 17 novembre de 11h à 20h
Parc des Expositions - Hall 1
Rue Fritz Kieffer, 67000 Strasbourg
Organisée par Patricia Houg, Directeur Artistique, Conseiller Culturel du Président du Directoire de Strasbourg Evénements. Vanessa Loth Martino, Responsable Marketing et Communication, Strasbourg Evénements Henri Tchen, Directeur du Développement Commercial des manifestations organisées, Strasbourg Evénements Denia Bahadir, Chef de projets, Strasbourg Evénements Jade Roch, Chargée d’Affaires Alexia Remerie, Chargée d’Affaires et Relations VIP
Un nouvel écrin pour ST-ART
Strasbourg Evénement se dote d’un nouveau Parc d’exposition sur une surface de six hectares. Livré au printemps 2021 pour une première partie et en 2022 dans sa totalité, Il est réalisé par le cabinet d’architectes Kengo Kuma and Associates. Le Parc éphémère qui préfigurera le futur emplacement du parc définitif en proximité immédiate du Palais de la Musique et des Congrès offrira deux structures temporaires, entièrement équipées. Répondant à un cahier des charges exigeant, le Parc éphémère recevra tout type de manifestations.
Une structure temporaire proche de l’hôtel Hilton
Pour cette première édition hors du Wacken, ST-ART sera installé dans une structure aux proportions similaires à celles du hall 7 mais dans des conditions techniques, thermiques et esthétiques augmentées. ST-ART profitera, de plus, de la proximité immédiate avec le Palais de la Musique et des Congrès, les 400 chambres des deux hôtels Hilton et Mercure ainsi que les 3 accès tram : Wacken, Kléber et Rives de l’Aar.
ST-ART s’ouvre au design
Conservant sa spécificité de foire d’art contemporain où les collectionneurs, amateurs et visiteurs ont la possibilité de découvrir et redécouvrir les artistes présentés par les galeries dénicheuses de talents, laboratoire de recherche, conseiller artistique, ST-ART ouvre pour la première fois un secteur dédié aux galeries de Design.
4 raisons à ce choix :
• le dialogue entre Art Plastique et Design a toujours été riche en créativité,
• les recherches des artistes et des designers ont souvent les mêmes préoccupations,
• les artistes plasticiens s’approchent parfois très près de la frontière du Design,
• le Design est souvent à la croisée de la création artistique.
Après le Museu Picasso Barcelona en 2018, ST-ART 2019 présente une exposition consacrée au Design, autour d’un objet unique, l’assise : « Design et Art, les liens du temps » avec : Gerrit Thomas Rietveld, Harry Bertoia, Hans J. Wenger, Jean Prouvé, Michael Thonet….
L’exposition sera présentée en deux temps sur le thème d’un objet particulier : la chaise ou l’assise.
La 1ère partie, consacrée à l’objet design, présentera des rééditions de grandes signatures du Design :
• Gerrit Thomas Rietveld et sa fameuse chaise Zig Zag conçue en 1932.
• Harry Bertoia avec sa collection de chaises Bertoia, créee pour Knoll en 1952.
• Hans J. Wenger et sa Chaise «CH24» qui connait une véritable renommée internationale en 1960 lorsque Kennedy choisit la Round Chair pour le débat présidentiel qui l’oppose à Nixon.
• Paulo Mendes da Rocha et son Fauteuil «Paulistano» conçu en 1957.
• Jean Prouvé avec son Fauteuil de salon (1939)
• Marc Newson et le Lockheed Lounge LC-1 (1985)
• ...
La peinture de genre où le sujet est un instantané de la vie quotidienne, portait sentimental ou scène anonyme est en outre le document du style d’une époque. A travers 7 oeuvres, 7 peintres, de Berthe Morisot (1841-1895) à Jacques Monory (1924-2018), 7 assises «sorties», la deuxième partie de l’exposition met en relation le peintre et le design comme témoins indispensables de leur temps.
Le comité scientifique
OLIVIER KAEPPELIN
Ancien Directeur de la Fondation Maeght
Homme de culture et de lettres et très proche des artistes de son temps, Olivier Kaeppelin a occupé les plus hautes fonctions culturelles au sein du ministère de la Culture et de la Communication. Il était, pour l’édition 2016 de ST-ART, critique d’art invité.
Le comité scientifique
JEAN-LUC MONTEROSSO
Ancien Directeur de la MEP – Maison Européenne de la
Photographie
Responsable de la division audiovisuelle du Centre Pompidou en 1974, il créé le mois de la photographie en 1980 et est l’un des fondateurs de la MEP en 1988.
MICHEL NURIDSANY
Critique d’Art et Commissaire d’Exposition
Michel Nuridsany a développé ses activités essentiellement dans trois domaines : l’art contemporain (critique, commissaire d’exposition), la littérature (éditeur, critique, biographe, romancier) et le cinéma (films sur des artistes, scénarios).
PIERRE JEAN SUGIER
Directeur de la Fondation Fernet-Branca
Pierre Jean Sugier a travaillé durant 6 années dans des galeries parisiennes, dont deux ans, comme assistant de direction à la Galerie Karsten Greve Paris. Il a ensuite dirigé le Centre d’Art Contemporain de Rueil-Malmaison pendant 6 ans. Il s’y est consacré à la jeune création avec une programmation de 6 expositions par an, ainsi que des débats mensuels sur des sujets d’actualités et les problématiques de la création contemporaine. En 2000 il dirige la communication et les partenaires culturels du Palace Parisien, L’Hôtel Scribe, autour des médiums de la photographie et du cinéma... Depuis 2013 il est directeur de la Fondation Fernet-Branca à Saint-Louis.
GALERIE VALERIE EYMERIC
33 rue Auguste Comte - 69002 Lyon
www.lagaleriedartalyon.com
La Galerie, née en 2014, à Lyon, de la passion pour l’art actuel de deux collectionneurs, présente et soutient des artistes vivants, locaux ou non, renommés ou en cours de reconnaissance, français ou internationaux. La Galerie est une galerie prospective en ce sens qu’elle expose plutôt de jeunes artistes qu’elle sélectionne pour l’émotion qu’ils savent transmettre dans leur travail, pour leur sérieux dans leur démarche, pour leur façon d’être ainsi que pour leur virtuosité dans leur domaine. La Galerie est éclectique dans ses choix puisqu’elle représente, pour le moment, un photographe, dix peintres, et quatre sculpteurs choisis en toute subjectivité. Elle ne souhaite d’ailleurs pas trop augmenter sa «pépinière» afin de pouvoir s’occuper individuellement de chaque artiste, de pouvoir aller voir leur travail régulièrement et d’assister à leurs vernissages, dans la mesure du possible, dans leurs autres galeries ou lieux d’art. La Galerie est un lieu convivial et d’échange qui, petit à petit, devient incontournable pour les amateurs d’art et les artistes lyonnais. Forte de ses 34 expositions personnelles en 5 ans, elle creuse son sillon en tant que lieu artistique de qualité. La Galerie Valérie Eymeric a intégré Le Comité Professionnel des Galeries d’Art en 2018 signant ainsi la reconnaissance de ses pairs et le professionnalisme de sa directrice.
« J’ai choisi d’exposer à ST’ART parce que c’est une foire d’art contemporain (que je défends) de bonne réputation. Les foires sont un vecteur de rencontres exceptionnel avec des collectionneurs, des artistes et les
autres galeristes. J’ai participé à des foires dès ma première année d’existence en tant que galeriste car elles représentent un potentiel énorme d’ascension pour une galerie notamment en région. La vie dans nos galeries est plus calme et la vie trépidante des foires fort excitante! » Valérie Eymeric, directrice
Artistes présentés à ST-ART :
NURHIDAYAT - solo show. Né en 1972 à Kuningan sur l’île de Java en Indonésie, Nurhidayat est diplômé de l’Université d’Arts Plastiques (UPI) de Bandung en Indonésie. Ses dessins, très personnels et puissants, ont contribué à élaborer son influence sur les tendances en matière d’art actuel à Bandung. De 1994 à 2005 les travaux de Nurhidayat sont publiés dans les médias locaux et internationaux. Il participe à de nombreuses expositions et biennales en Indonésie et devient l’un des plus importants artistes contemporains de son pays. Depuis 2005 il vit et travaille en France. Il trouve son inspiration dans le flux d’images qui nous entourent au quotidien. Il utilise un processus de collage en «capturant» les images, dont nous sommes abreuvés dans les médias (internet, journaux, magazines...). Il les sélectionne, les transforme et les reproduit dans ses dessins ou ses peintures avec sa virtuosité. Ses oeuvres traitent habilement des phénomènes paradoxaux nés des images qui nous « bombardent » non-stop, qui envahissent notre quotidien mais nous séduisent tout à la fois. Les images prennent un autre sens lorsqu’elles sont juxtaposées avec des mots ou des symboles. Cette combinaison de signes, technique propre au travail de Nurhidayat, attire l’intérêt de certains conservateurs indonésiens, allemands et français. Ses oeuvres interrogent simultanément la réaction et la position du spectateur sur son environnement et permettent de titiller d’une façon nouvelle les souvenirs et la mémoire de chacun. Ce cheminement est jusqu’à ce jour, le fil conducteur de sa démarche artistique. Actuellement, il poursuit sa carrière artistique et ses recherches à Roanne. Il est représenté à Paris, Lyon et Bruxelles.
KOMILI. Née en 1983 à Thessaloniki, Grèce.
« Paysages avec figures absentes » : ce sont ces mots de Jaccottet qui résonnent lorsque l’on pose le regard sur une toile de Komili, et qu’il se trouve absorbé par la musique silencieuse de ces lieux, aussi familiers qu’étranges, qui s’y dressent. Ces paysages urbains à la lisière du minéral et du végétal, presque toujours déserts de toute trace humaine, ne sont ni des « natures mortes », ni des « still alive », ni même entre les deux – ils seraient alors moribonds. Ils vibrent au contraire de présences cachées, d’absences momentanées, d’espaces qui émergent de la torpeur, enfin libérés de toute occupation bourdonnante, et qui se jouent des secrets que les ombres esquissent dans les recoins des couleurs. Paysages avec figures absentes, mais auxquels rien ne manque parce qu’ils sont à la fois pleins et vides : pleins de leurs éclats de lumière, de leurs formes, de leurs matières et de leurs structures propres, vides de ce qui est peut-être seulement caché à l’angle de leurs horizons et de leurs perspectives en partie dévoilés. Les tableaux de Komili sont des fenêtres ouvertes sur des lieux qui semblent pris au dépourvu, saisis par surprise dans un cliché volé, et qui donnent à voir autant qu’ils masquent encore.
Adrien JUTARD naît en 1979 en Auvergne, à Bourbon l’Archambault.
Après Moulins, Clermont- Ferrand, Lyon, ses études le portent à Strasbourg, où il sort diplômé des arts décoratifs, puis en Suisse, où il complète sa formation à l’école d’art Assenza à Münchenstein. Etabli dans ce pays voisin, l’artiste y est particulièrement intégré. D’abord car son art ne se cantonne pas à la peinture, puisque Adrien Jutard a réalisé des sculptures monumentales dans l’espace public et marqué un territoire de son empreinte. Après avoir enseigné durant dix ans à Bâle, l’artiste se consacre complètement à son oeuvre depuis quelques années.
Les tableaux de Jutard apparaissent sur de supports solides, le plus généralement des plaques d’aluminium, où sa première intervention s’est faite à l’horizontal, au sol. Afin d’obtenir la porosité de la matière picturale qui invite l’oeil du spectateur dans une profondeur mystérieuse et nébuleuse, brillante et humide, l’artiste recourt à des systèmes de couches picturales successives. Il travaille la matière chromatique et pigmentaire à l’état liquide, vive, pure, expressive et la fixe avec une laque. Cette dernière ayant séché, il obtient un nouveau terrain d’expérimentation et intervient à nouveau avec de la couleur, de la substance, des nuances qu’il fixe à leur tour, et ainsi de suite. Ces tableaux « atmosphériques » obtenus, il change de technique, cela se traduit par le recourt à des liants plutôt qu’à des solvants, de la colle vient s’ajouter au mélange offrant une matière grasse là où tout était brillance et légèreté. Le tableau est terminé sur chevalet. La matière grasse vient fixer paradoxalement le geste, puisqu’on contemple des traits qui n’étaient guère visibles auparavant quand le solvant maintenait la peinture « éternellement » liquide. En même temps surgissent des formes, le plus souvent géométriques, organisées et pensées, qui rassemblent et contraignent l’espace comme une digue ou un barrage. Cette canalisation de la composition crée une forme de densité dramatique, une tension s’y noue. La forme vit, la surface respire. Ainsi le dialogue entre le superficiel et le sous-jacent est ininterrompu ; il s’ajoute au dialogue entre le mat et le brillant, le dur et le mou, l’évanescent et le pesant. Son travail entrera en résonance avec les oeuvres de Nurhidayat par le biais de l’ultra couleur, du foisonnement, de l’intranquilité. Le paysage céleste évoqué chez Jutard trouvant échos dans les rêves paysagés de l’artiste indonésien.
GALERIE PHILIPPE DECORDE
5 rue de Molsheim - 67000 Strasbourg
www.galeriedecorde.com
La Galerie Decorde fondée en 1993 par la famille Decorde, s’est installée dans ses nouveaux locaux il y a 3 ans place Hans Arp, lieu qu’occupait le galeriste George Michel KAHN maintenant associé à ce projet. Celui-ci se veut un nouveau dynamisme dans le champ artistique régional. Depuis son ouverture, cet espace a également accueilli des représentations, concerts, projections, débats et performances. Au coeur même de Strasbourg, place Hans Arp, aux abords de la petite France, entre le musée d’art moderne et l’ENA, la Galerie Decorde se place aujourd’hui parmi les lieux phare à visiter de la ville. Endroit accueillant et vivant, la galerie située au rez-de-chaussée se compose d’un grand espace lumineux au design sobre et élégant. La galerie propose une programmation riche, avec une quinzaine d’expositions par an. Peintures, sculptures, gravures et performances artistiques, tout au long de l’année la galerie met en avant des artistes de différents horizons, représentant depuis plus de vingt ans un panel d’artistes contemporains confirmés.
GALERIE PHILIPPE DECORDE
5 rue de Molsheim - 67000 Strasbourg
www.galeriedecorde.com
Artistes présentés à ST-ART / Secteur Design :
BOUNOURE & GENEVAUX. Guillaume Bounoure est né à Lyon en 1978 et Chloé Genevaux à Strasbourg en 1984. Ils se rencontrent en 2005 sur le site d’architecture expérimentale de Cantercel. Ils commencent à plier la matière en 2006, réalisant des sculptures et petites constructions, pratique qu’ils continuent jusqu’à ce jour et qui a transformé radicalement leur perception du monde. Ils ont étudié l’architecture à Montpellier et Lünd pour Guillaume, Strasbourg et Innsbruck pour Chloé, qui a terminé par un doctorat sur le thème de la géométrie du Pli à Paris-Malaquais. Après leurs études, le Pli leur fournit les moyens de combiner leur travail d’architecte avec des voyages et expositions en Europe (notamment sous le nom du collectif Archiwaste). Dans leur travail, on note clairement le contraste entre la technique, le contrôle et la discipline propre à l’architecture et l’immédiateté, l’expérience, l’intuition induite par le Pli. Explorateurs infatigables, Guillaume Bounoure et Chloé Genevaux ont fondé l’atelier BOU- GE en 2015, spécialisé dans le Pli. Ils ont travaillé 3 années dans le monde de la R&D et du Design, collaborant notamment avec Airbus et écrit des livres parus aux éditions Gallimard Alternatives, dont «Un nouvel Art du pli».
En 2018, après leur première exposition solo à Perpignan, ils ont décidé de se consacrer exclusivement à leur carrière d’artistes: sculptures, et installations sont le fruit d’un travail systématique sur le Pli. « Notre pratique artistique a pour origine le pli. Le pli permet une expression plastique originale car le tout y entretient avec la partie des relations topologiques. Cette harmonie sous-jacente aux formes est un thème classique pour l’architecture et la sculpture. L’expression par de simples tôles pliées à froid, sans aucun motif ou décor autre que le pli, rattache ces formes de sculptures à la modernité. La dimension baroque du pli pris comme «sigil» de notre temps éclaire ce travail systématique sur le pli sous un jouractuel. »
L’ÉQUIPÉE
15 Ngong View Estate - Karen, Nairobi
www.lequipee.co.ke
Fondé par Lilo Chaumont et sa fille Gus en 2015, L’Équipée est un studio de design basé à Nairobi. Le studio dessine une gamme de mobilier inédit, produite en étroite collaboration avec 19 artisans Kenyans, exposée et vendue de part et d’autre de l’Équateur. Les pièces légères et vivantes de l’Équipée valorisent la spontanéité et l’ingéniosité des artisans Kenyans.
À Nairobi, la difficulté d’accès aux produits industriels standardisés est un puissant moteur à l’inventivité. On ne se débarrasse de rien, on achète peu, alors on fabrique énormément. Les artisans sont nombreux, au bord des routes, dans les slums et les marchés, du réparateur de tongs au menuisier. Pour eux, le manque de moyens techniques n’est jamais un obstacle : on cogne sur les tables pour les mettre d’aplomb, et on tord les pieds pour qu’ils soient d’équerre. Cette absence de standards, de normes rend chaque objet unique. Les ambitions esthétiques, l’ornement, prennent alors une place primordiale. Autobus, étals de boucherie, sont recouverts d’autocollants, de photos de Notorious BIG, de néons multicolores... À Nairobi, la priorité est donnée à l’expressivité des formes, à l’effet produit, et les questions techniques restent des détails de seconde zone. L’Équipée cherche un équilibre inédit entre le design européen, calibré, rigoureux, et cette surenchère esthétique. Chaque pièce du studio est le fruit de dialogues entre les artisans et les designers. Loin des plans techniques et des 3D, les dessins se précisent au fil de prototypes et de passionnantes conversations.
Le résultat : des meubles biens pensés, éloignés des clichés folkloriques. Vivants, même souvent drôles, ils réintroduisent la spontanéité dans la production d’objets, et font la fierté de ceux qui les produisent, artisans et designers.
THE SLOUGHIS
Strasbourg, France
www.riffartprojectsgallery.com
Duo français multiforme et iconoclaste basé à Strasbourg. Dans un monde de l’art où les cloisonnements sont règles, The Sloughis tracent des chemins transversaux. Galeristes, éditeurs, commissaires, producteurs... ils n’envisagent pas de limite entre les disciplines et leurs domaines d’intervention. Défenseurs d’une vision d’un Art Total, le concept de Gesamskunstwerk est leur manifeste. Véritables découvreurs d’oeuvres d’exception, ils conseillent et accompagnent depuis 12 ans les amateurs d’art dans la constitution de leur collection. Entre pièces de design historiques, éditions limitées contemporaines et oeuvres d’art, The Sloughis nous invitent dans un salon de «Collectionneur». Un choix éclectique et pointu qui mettra en lumière aussi bien les dernières éditions de Pierre Gonalons, designer qui vient de faire sensation à l’événement AD Intérieurs, qu’une sélection exceptionnelle de pièces produites par le mythique éditeur Italien des années 70 Dino Gavina et sa marque Paradiso Terrestre. Signés par Matta, Man Ray, Allen Jones, Lalanne... ces sièges, lampes, paravents font se rejoindre l’art et le design dans un même objet. Pour compléter ce «salon», The Sloughis feront également découvrir une sublime collection de vases monumentaux peints par l’artiste Strasbourgois Nicolas Schneider et produits spécialement pour l’occasion en Italie.
AD GALERIE
40 allée Giacometti - 34000 Montpellier
www.adgalerie.com
Fondée en 1998, AD GALERIE se déploie à Montpellier dans un espace de béton brut et de verre, résolument design où volume et sobriété sont les maitres mots. Spécialiste de la figuration libre et narrative avec ses artistes historiques comme Hervé Di Rosa, Combas, Erro, Peter Klasen..., la galerie défend également des artistes émergents de la scène artistique actuelle comme Cédrix Crespel, Maxime Lhermet, et des artistes du street art comme Mist, Alexone...
Artistes présentés à ST-ART :
Robert COMBAS. Il est l’un des fondateurs de la figuration libre qui a apporté une esthétique originale et novatrice inspirée de tout ce qui fait une culture populaire accessible à tous. Il accède très vite à la notoriété avec une exposition qui rend compte des nouvelles tendances de l’art contemporain. Alors que l’art conceptuel domine la scène artistique française, le jeune artiste prend le contre-pied du courant dominant et s’attache à redéfinir l’utilisation de l’espace, de la couleur et de la figuration. Robert Combas s’approprie sans complexe les grands poncifs de l’art, et apporte ainsi de nombreuses possibilités à ses contemporains et aux générations suivantes qui souhaitent emprunter la voie de la figuration. Hervé DI ROSA. L’artiste, qui a ouvert la voie à des modes d’expression marginalisés, s’inscrit sans honte, ni culpabilité dans l’actualité de son temps avec un style coloré, graphique et simplifié avec une peinture qui fait référence aux arts populaires : la diromythologie avec ses monstres, robots, grotesques et autres Renés. Hervé Di Rosa revendique son appartenance à une culture urbaine de masse, une culture populaire qu’il enrichit de son expérience personnelle, une peinture de libertés... Eric LIOT. Artiste contemporain, Eric Liot est à la fois peintre, sculpteur, assembleur et collagiste qui s’amuse à jouer les récupérateurs d’images afin de nous transporter dans son univers. LIOT se situe dans la tradition de l’objet trouvé et de l’assemblage. Il soustrait les objets à leur fin utilitaire initiale et leur ajoute une nouvelle qualité plastique. Le bois demeure son matériau de prédilection qu’il utilise pour créer une sorte de collections imaginaires où les symboles se hissent au rang de logos. MIST. Dans l'oeuvre de Mist aujourd'hui, les traits de construction des lettres et les contours se sont évaporés, laissant place à une abstraction dont le dynamisme et la spontanéité sont intacts. Ses fonds patinés laissent encore transparaitre les stigmates des murs des terrains vagues qu’il a tant pratiqués. Contempler une toile de Mist, c’est se perdre dans une composition abstraite d’une puissance hypnotique alliant l’art urbain au contemporain.
Philippe PASQUA. Ses Visages se matérialisent dans la couleur avec sincérité, révélant toute la vulnérabilité de l’être humain : la figure humaine est représentée avec la franchise du réalisme et l’intensité de l’expressionnisme.
AEDAEN GALLERY
1A Rue des Aveugles - 67000 Strasbourg
www.aedaen.com
AEDAEN Gallery a ouvert à Strasbourg en mars 2017. La galerie a été fondée et est présidée par Partick Adler. La direction artistique est assurée par Raphaël Charpentié. La galerie est située dans l’île centrale de Strasbourg au 1A rue des aveugles. Depuis son ouverture, plus de 40 expositions, individuelles et collectives, y ont eu lieu, avec une moyenne de 70 visiteurs quotidiens. D’une superficie de 240m2, elle est organisée autour de 2 espaces d’expositions de 80m2 chacun, «Les Vitrines» et «Le Cube» et d’un espace de convivialité: «Le Maga- sin-Bar».
Il n’y aurait plus d’éloges plus de cris. Juste cette présence assourdissante. Stases vibrillonantes et déchirements figés. La plus petite fraction d’un murmure, en boucle, indéfiniment répétée, lentement amplifiée, jusqu’à devenir un souffle qui recouvre tout. Du structuré et du composté. D’une tension immobile, cristaline, et des contorsions visqueuses d’un lombric gras sur fond de bruit blanc. Presques-formes Presques-propos Presques-envies Laissant venir et guidant sans vouloir y aller, te fixent en te tournant le dos. Il n’y aura ni éloges, ni cris: juste cette évidence assourdissante.
Artistes présentés à ST-ART :
Theresa MÖLLER. Vit et travaille à Leipzig. Diplômée en peinture de la Hochschule für Grafik und Buchkunst de Leipzig, prof Annette Schröter. La peinture de Theresa Möller vibre continuellement entre abstraction et figuration. Elle se sert de l’excuse du paysage pour capter notre regard et jouer avec, nous emmenant dans les perspectives de ses forêts inondées au travers de coulures et d’aplats.
Theresa Möller présentera à ST-ART 2019 des peintures de grand format.
Laurent LACOTTE. Vit et travaille à Paris. Diplômé de Paris VIII et de l’ESA Perpignan. Le travail de Laurent Lacotte évolue entre actions in situ et mise en espace des documents de ces actions. Il livre à travers ses oeuvres un engagement d’une très grande force poétique, sortes d’aphorismes que l’on a immédiatement envie de partager.
Laurent Lacotte présentera à ST-ART 2019 des tirages photographiques ainsi que des objets.
Hendrik VOERKEL. Vit et travaille à Leipzig. Diplômé en peinture de la Hochschule für Grafik und Buchkunst
de Leipzig.
Hendrik Voerkel développe une technique singulière consistant à travailler des aplats d’épaisses couches de
peinture à l’huile. C’est ainsi qu’il « sculpte » presque des éléments anodins d’architectures contemporaines,
et rend précieux les éléments géométriques qu’il en isole.
Hendrik Voerkel présentera des peintures à ST-ART 2019
Petr STANICKY. Vit et travaille entre Zlín et Prague. Diplomé de la AAAD de Prague et de la New York
Academy of Arts. Le travail de Petr Stanicky semble rendre hommage, à Fra Angelico, Fritz Lang, ou au Bauhaus, en même temps qu’il pose, au travers d’une grande maîtrise du travail du verre, du bois et du métal, des questions esthétiques très contemporaines.
Ancien assistant de Jeff Koons à New York, Petr Stanicky proposera pour ST-ART 2019 des oeuvres discrètes, parfois austères, accrochant l’attention sans la prendre en otage, demandant au spectateur le temps de les apprivoiser.
Andrej PIRRWITZ. Vit et travaille entre Berlin et Strasbourg. Artiste autodidacte. Doctorat en physique à l’université Humboldt de Berlin.
Andrej Pirrwitz photographie et peint des intérieurs de bâtiments en ruine, qu’il visite à travers le monde. De ces endroits dont la simple visite peut parfois s’avérer complexe ou dangereuse, il ne retient pas un spectaculaire post apocalyptique, mais des endroits précis, étranges, singuliers ou anodins ; lieux desquels il fait surgir des présence fantomatiques, plus apaisantes qu’inquiétantes, semblant apparaître dans l’oeuvre avec la volonté de guérir le monde, de soigner les blessures dont témoignent ces architectures abandonnées.
Andrej Pirrwitz présentera à ST-ART 2019 des tirages photographiques grand format.
MAZEL GALERIE
Rue Capitaine Crespel 22 - 1050 Bruxelles
https://mazelgalerie.com
Située au coeur de Bruxelles, Mazel Galerie a été inaugurée en 2010. La galerie est dirigée par un quatuor familial. Elle a déjà plus de 90 expositions et foires à son actif. Les artistes reconnus internationalement côtoient de jeunes. talents prometteurs et émergents. L’un de ses points forts est de proposer avec une cohérence certaine et loin des phénomènes de mode, un choix éclectique qui passe aussi bien par la peinture que la sculpture, la photographie, le dessin ou encore le design tout en affirmant un goût prononcé pour l’art des années 1980 à nos jours. Depuis juin 2017 la Mazel Galerie dispose d’un deuxième espace à Bruxelles et depuis août de la même année a ouvert une galerie à Singapour.
4 questions à Édouard Mazel, directeur de MAZEL GALERIE
Vous revenez à ST-ART depuis plusieurs éditions, pourquoi ?
Il s’agira de notre sixième participation. Chaque année c’est un plaisir de retrouver un noyau de collectionneurs et de visiteurs qui nous suivent pour certains depuis 2014. La foire continue à chaque édition d’essayer de se renouveler et d’avoir une identité artistique.
Quelle est la spécificité de Strasbourg selon vous ?
Parmi la pléthore de foires d’art contemporain, ST-ART continue d’avoir une légitimité territorial et géographique. Ce pont avec l’Allemagne est très intéressant et elle est sans doute la meilleur foire d’art contemporain française hors de Paris. Vous avez fait le choix de présenter l’artiste SONAC pour la 2ème année après avoir monté un projet avec la ville de Strasbourg.
Pouvez vous nous expliquer en quoi consistait ce projet ?
C’est une volonté de notre part de revenir avec SONAC et c’est une stratégie que nous avons mis en place dès 2018. Ses interventions sur les murs de la ville de Strasbourg réalisées en 2018 l’ont été à notre initiative en mettant en lien la foire, la ville de Strasbourg et notre partenaire DS Impression qui a apporté son support logistique. Le but était d’introduire cette artiste dans la ville, afin que les visiteurs de ST-ART la retrouve sur notre stand. Et l’idée final était de prévoir en 2019, l’exposition sur notre stand des photos réalisées à Strasbourg l’année précédente.
Qu’attendez-vous de votre participation à ST-ART ?
Continuer de fidéliser nos collectionneurs et de faire découvrir de nouveaux artistes.- Particulièrement Stom500, street artiste strasbourgeois qui exposera paradoxalement pour la première fois à la foire.
Artistes présentés à ST-ART :
C215. Il s’agit très certainement de l’un des street artistes français les plus actifs et les plus connus hors de l’hexagone disséminant ses pochoirs à travers le globe depuis 2006. Il s’est très rapidement fait connaitre sur la scène internationale et notamment à la suite de l’invitation de Banksy en 2008 pour son exposition clandestine « The Cans Festival ».
SONAC est une artiste française qui depuis 2010 qu’elle recouvre les murs de ses animaux dans de nombreuses villes et institutions, notamment au Muséum d’Histoire Naturelle de Dijon en 2011, au Centre Pompidou en 2012, au Parc Floral de Paris en 2013, à la Cité des Sciences en 2016, et au Musée de la Poste à Paris en 2017. Ce n’est que très récemment qu’elle a décidé de montrer son travail en galerie. SONAC dédie son énergie à l’accomplissement d’une démarche photographique personnelle, où elle place la Nature et non l’Art au centre de sa vision du monde, dont elle capte les reflets à travers ses clichés. Ses collages, installations éphémères, entrent par surprise dans la vie quotidienne des passants. En modifiant les conditions de perception, en éveillant l’attention, elle interpelle le spectateur en lui proposant un regard nouveau sur un lieu connu. La rue devient un décor dont-il fait parti. L’animal prend possession des lieux, il a trouvé sa place dans l’espace urbain. Les animaux retrouvent ici une dignité nouvelle puisque les voici au coeur de la création, porteur de sens, d’imaginaire et de métaphores. Les animaux ont été préalablement photographiés dans des zoos par l’artiste. Les installations de SONAC contribuent à nous faire réfléchir, tant qu’il en est encore temps, sur la place des animaux dans notre société et plus globalement dans le monde. « La sensibilisation des publics à la protection de notre patrimoine naturel est la première étape sur le chemin de la prise de conscience et du changement de comportement ». Mon travail d’«Affichage Sauvage » oeuvre à cette prise de conscience confie l’artiste.
VERMIBUS. Cet artiste Espagnol explique que la publicité est envahissante et nocive et plus particulièrement celle de la rue. Son combat d’artiste militant s’est focalisé sur les affiches publicitaires, symbole de l’omniprésence de l’économie de marché dans nos sociétés occidentales. Il pratique sa collecte dans les rues pour les utiliser dans son atelier comme matière première de son art. Le processus de transformation peut débuter. Derrière la dégradation esthétisante pratiquée sur les images qu’il récupère, réside une lutte et une conviction très forte. L’effacement des chairs et la dissolution des logos par l’utilisation de solvants n’est pas seulement artistique, c’est également une démarche politique. Le geste qui consiste à transfigurer les images est identique à celui du pinceau sur une toile. En revanche, contrairement à un peintre « classique » qui ajoute de la peinture pour dessiner une image, Vermibus se sert des encres déjà présentes pour créer une oeuvre originale. Le résultat est souvent noir et envoutant. Vermibus est l’incarnation du street-artiste qui crée un art dans la rue, par la rue et pour la rue...
STOM500. Cultivant un univers délirant et plein d’humour nourri par l’énergie euphorique des cartoons, ce virtuose autodidacte, originaire d’un village à côté de l’helvète commune de Bâle, multiplie les talents. Graphiste de formation, illustrateur de vocation et graffeur de renom depuis cinq ans, Stom500 est, comme il se définit lui-même avec amusement, un véritable « couteau suisse ». Spray, posca, acrylique... Larges fresques murales ou toiles au format plus réduit : il use de médiums et de styles aussi divers que variés. Avec une prédilection pour les thèmes animaliers qui, sous le vernis de la drôlerie, portent un message pertinent, souvent à caractère humaniste ou écologique. A l’image de ses tourbillonnantes abeilles ou de ses bestiaires apparemment incompatibles, tels le corbeau et le renard inspirés des fables de La Fontaine, symboles du vivre-ensemble.
Antoine ROSE. C’est à bord d’un hélicoptère qu’il capte sur le vif des scènes qui rappellent les installations de l’artiste Christo. Les vacanciers pensent fuir le formatage de la vie citadine et pourtant le reproduisent scrupuleusement sur la plage, où serviettes et parasols s’alignent tantôt bien sagement tantôt dans une franche pagaille à l’instar d’une vaste foule s’égaillant à la sortie d’un métro. Les sujets photographiés par Antoine Rose peuvent trouver un écho avec le travail du photographe Italien Massimo Vitali, devenu mondialement célèbre pour ses images de bord de plage bondée. Mais la comparaison s’arrête là, car Antoine Rose avec son approche « vol d’oiseau » impose une composition à 2 axes, l’océan et la plage, le ciel se trouvant exclu. La représentation de « miniatures » transforme ces prises de vue aériennes en peintures abstraites et inscrit son travail dans une approche artistique contemporaine minimaliste tandis qu’une deuxième lecture plus rapprochée permet de s’immiscer dans de petites « tranches de vie ». L’artiste introduit une tension entre le réel et le virtuel, entre ce que l’on pense voir et ce que l’on voit, entre le visible et ce qui se cache. Pieter CEIZER. Avec la typographie, Pieter Ceizer a trouvé son langage d’artiste. Originaire d’Amsterdam, il partage son temps entre sa ville et Paris, sans compter de nombreux voyages au gré de ses collaborations. Ralph Lauren, Beats by Dre, Air France, colette... Son portfolio impressionne mais pour Ceizer, ces noms évoquent avant tout des rencontres. Entre son dernier pop-up à Taïwan, la réalisation d’une fresque pour Ace & Tate et la préparation d’une collection pour Uniqlo, son actualité est multiple et débordante. Issu de la scène graffiti d’Amsterdam, Pieter Ceizer a largement écumé les rues de la capitale hollandaise. Mais après 3 années à l’Académie des Arts de La Haye, le jeune graphiste s’est finalement consacré à sa vraie passion : la typographie. LEVALET. Charles Leval, dit Levalet, est né en 1988 à Epinal. Il grandit en Guadeloupe, région où il entre au contact de la culture urbaine, puis des arts plastiques. Il poursuit ses études d’arts visuels à Strasbourg ; son travail, alors davantage tourné vers la vidéo, se nourrit d’une pratique théâtrale assidue. Il obtient l’agrégation en 2012, année où son travail commence à prendre place dans les rues de Paris et d’ailleurs. L’oeuvre de Levalet est avant tout un travail de dessin et d’installation. Il met en scène ses personnages dessinés à l’encre de chine dans l’espace public, dans un jeu de dialogue visuel et sémantique avec l’environnement présent. Les personnages interagissent avec l’architecture et se déploient dans des situations frôlant souvent l’absurde.
L’ESTAMPE
31 Quai des Bateliers - 67000 Strasbourg
www.estampe.fr
L’Estampe créée en 1979 par Thierry Lacan, privilégie des artistes tant régionaux qu’internationaux ayant pour trait commun la création d’estampes.
Artistes présentés à ST-ART : Guillaume ALLEMAND. Parmi les artistes de notre programme Guillaume Allemand est un nouvel arrivant. Habitué à travailler la matière organique et plus particulièrement l’os, il procède pas accumulation minutieuse et graphique, maitrisant le jeu de la lumière et réalisant ainsi des oeuvres abstraites. Musicien de formation, on retrouve dans le travail de l’artiste des rythmes dans les matières et les gammes chromatiques, des respirations dans les nuances de teintes et les regroupements. La Galerie réalise cette année 2019, trois aquagravures originales. ROBERT COMBAS. Nous présenterons nos éditions de gravures et d’aquagravures originales ainsi que les pièces uniques, dont l’un des derniers dessins de l’artiste. Hervé DI ROSA collabore avec L’Estampe depuis plus de 7 ans. Nous avons réalisé ensemble plusieurs gravures originales, sculptures et sérigraphies originales. Hervé Di Rosa défenseur de l’« art modeste » fabrique un art vivant avec des objets et des sources d’inspiration qu’il glane au gré de ses voyages. Ses inspirations peuvent être des objets d’art populaire, des statuettes souvenirs, des affiches, des BD, etc. Nous avons débuté l’année 2019 avec la finalisation de l’édition d’un grand triptyque original sur l’un des thèmes favoris d’Hervé Di Rosa : l’Aquarium.
Marie-Jo DALOZ, née en 1964, vit et travaille en Alsace. Elle est professeure à la Haute Ecole des Arts du Rhin (Strasbourg) depuis 1990. La nature a toujours été pour l’artiste un lieu de prédilection, entretenant depuis toujours une relation particulière avec elle. Egalement nourrie par de nombreux voyages en Asie, au Moyen Orient et en Amérique du Sud, Marie-Jo Daloz est poursuivie par la nécessité de peindre, avec l’idée comme elle le dit, que «peindre dans la forêt, n’est pas peindre le paysage mais peindre avec lui, avec ce qui le compose. Peindre pour se sentir à l’égal d’une branche, d’un souffle... accéder ainsi à une autre conscience d’existence.» C’est une artiste prolifique qui a pour habitude de peindre in situ. Sa quête du geste juste, du bon trait qui saura rendre palpable et évidente l’image, s’apparente au travail du calligraphe. ERRO. La galerie poursuit son travail d’édition avec deux nouvelles et très belles aquagravures sur le thème des comics américains. Nous retrouvons dans les oeuvres, influencée par la culture populaire autant que par la BD, que l’artiste nous propose, une palette d’images inscrites dans l’histoire de l’art sous forme de référence à Fernand Léger, Lichtenstein, Picasso, etc. La technique de l’aquagravure entièrement exécutée à la main a donné une nouvelle forme à ses compositions hautes en couleurs et en références. Christophe HOHLER. Dans un travail presque exclusivement réservé à la figure humaine, Christophe Hohler raconte une humanité expressive et forte, proche de chacun. Pour ST-ART 2019, nous avons choisi de montrer des séries de monotypes exceptionnels : de nouvelles aquagavures de l’artiste ainsi que des lithographies. Nous proposons également nos dernières acquisitions de peinture. Shoishi HASEGAWA. A 88 ans Shoichi Hasegawa est considéré comme l’un des maîtres de l’aquarelle, et de la gravure. Son oeuvre est le fruit d’une double-influence culturelle : le Japon et la France. Faisant partie de notre programme permanent, nous avons consacré une exposition exclusive à Shoishi Hasegawa en 2017 et présenté son oeuvre lors du Festival Japonité Strasbourg en 2018. L’artiste, dont l’art se tient entre abstraction et figuration, effectue une synthèse entre calligraphie extrêmeorientale, symbolisme traditionnel des formes et des couleurs et expressions nouvelles occidentales. Cette dualité se reflète à travers toute son oeuvre où le firmament de son écriture symbolique et secrète joue avec des couleurs et des demi-teintes suggérées, transparentes et toujours harmonieuses. Sur des fonds colorés «tachistes», Shoishi Hasegawa grave en blanc des motifs graphiques décoratifs dans la tradition de l’imagerie populaire japonaise (ports, gares, scènes de rues, devantures de magasins traditionnels, échoppes, jardins et saisons par exemple.) Peter KLASEN. Les oeuvres de Peter Klasen sont présentes dans plus de 80 musées et collections publiques à travers le monde. Nous présenterons de nouvelles peintures et de nouvelles éditions d’aquagravures. Eric LIOT. Nous présenterons une nouvelle série d’aquagravures originales d’Eric Liot. Cet artiste à la fois peintre, sculpteur, assembleur et collagiste, s’amuse à jouer les récupérateurs d’images afin de nous transporter dans son univers. Imprégné des oeuvres de la figuration narrative. Eric LIOT travaille dans l’instant, se nourrissant d’images et de personnages du quotidien pour fixer nos icônes contemporaines et créer un grand patchwork planétaire. SPEDDY GRAPHITO. Nous présenterons les nouvelles aquagravures en cours avec Speedy Graphito. Cet artiste fait la jonction entre la figuration libre et la scène Street Art française des années quatre-vingt. Artiste précurseur, reconnu comme l’un des pionniers du mouvement Street Art en France. Pour exprimer et faire partager son art, il envahit les rues de Paris de ses graffitis, exécutés au pochoir ou au pinceau, représentant des personnages schématiques et dynamiques (comme les guerriers zoulous stylisés). Performeur dans l’âme depuis ses débuts, il peint également de nombreux murs et toiles en direct lors de festivals, de foires, ou lors de ventes aux enchères et d’expositions. Jacques VILLEGLÉ. L’apparente simplicité du travail de Villeglé nous interpelle. La récupération d’affiches, les collages de ces éléments déchirés forment des oeuvres à l’esthétique singulière, entre nouvelle figuration et esthétisme de la matière. La Galerie a plusieurs nouvelles éditions de gravure en cours, avec Jacques Villeglé. Raymond E. WAYDELICH. Artiste à l’imaginaire débordant, facétieux touche à tout, Raymond E. Waydelich s’attache à l’histoire et à la mémoire qu’il décortique, découpe, peint et colle. En 2018, notre Galerie a consacré à l’artiste une exposition rétrospective de son oeuvre gravé. Aquarelles et aquagavures seront présentées au salon ST-ART 2019.
BEL AIR FINE ART
21 place des Vosges - 75003 Paris
www.belairfineart.com
La galerie Bel-Air Fine Art établie depuis 2004 au coeur de Genève a inauguré en septembre 2010 un espace de plus de 200m2. Le groupe est également présent à Londres, Paris, Saint-Tropez, Cannes, Venise, Forte dei Marmi, Crans- Montana, Verbier, Gstaad, Knokke et Miami. Enfin, la galerie organise des expositions d’art dans toute l’Europe ainsi qu’au Liban et aux Emirats Arabes Unis. Parallèlement à ses galeries spécialisées dans le Street Art, Néo Pop Art et Art Optique, François Chabanian, marchand d‘art depuis plus de 30 ans et collectionneur lui-même, et son fils Grégory ont la volonté de défendre leurs artistes plus pointus dans des événements exclusifs et des foires d’art internationales.
Artistes présentés à ST-ART : Cédric BOUTEILLER est né en 1970 à Rognac en France. Il vit et travaille dans le sud de la France. Bouteiller a étudié les arts plastiques et la philosophie à l’Université d’Aix-en-Provence, avant de commencer à voyager à New York, Londres, Paris, Tokyo et Shanghai. En 2009, lorsqu’il expose à la Galerie DX à Bordeaux, il se rapproche du Street Art. À partir de cette forme d’art, Cédric Bouteiller prend des symboles, des graffitis, des pochoirs et des affiches. Ses oeuvres sont composées d’images imprimées, de collages, de dessins et d’étiquettes sur un aluminium brossé recouvert d’une résine translucide. Son expression artistique est une combinaison de différentes techniques, mélange de perspectives photographiques modernes, de peinture contemporaine, de graffiti, d’art numérique et de collage. En parallèle de sa proximité avec le Street Art, l’artiste a développé plusieurs séries abstraites qui lui ont valu d’être reconnu tel un élève de Zao Wou-Ki par Beaux-Arts Magazine. Arno ELIAS st né à Paris. Il est un musicien, peintre et photographe aux talents multiples. Il est connu pour ses compositions de la célèbre musique Buddha Bar. Il a été choisi par Brigitte Bardot pour composer une musique spéciale pour sa Fondation Brigitte Bardot, qui a été créée pour la protection des droits des animaux. Ses talents créatifs ne se limitent pas à sa prodigieuse carrière qui l’a finalement mené au monde de la peinture et de la photographie. Ses productions ont été présentées dans des foires d’art contemporain aux Etats-Unis parmi lesquelles figurent Scope Miami, Scope Basel, Art Chicago et Art Francisco, San Francisco Art Mrkt, ART MIAMI, ainsi que dans le prestigieux Art Basel Switzerland. Actuellement, son travail est exposé dans différentes galeries à travers le monde dont Bel Air Fine Art en Suisse. Laurence JENKELL vit et travaille à Vallauris, dans les Alpes-maritimes. Autodidacte, elle commence à créer seule, au milieu des années 90. Au fur et à mesure, ses recherches artistiques la mènent à expérimenter diverses techniques comme les inclusions, les coulures, la cuisson, le moulage, etc. Après différentes investigations, elle parvient à maîtriser et dominer la matière plexiglas, pour obtenir la technique du «Wrapping» qui va lui permettre de réaliser la sculpture BONBON qui l’obsède depuis de nombreuses années. Le «Wrapping», littéralement l’enroulement de la matière, associée à la torsion de la papillote fait de ses sculptures des oeuvres uniques. Peu à peu, l’artiste va décliner cet objet symbolique dans d’autres matières comme le marbre, le bronze, l’aluminium ou le polyester. Sujet universel, le bonbon de Laurence Jenkell n’est pas 28 seulement symbole de douceur, il est aussi torsion, drapé, enchevêtrement et résistance. Il lui a permis d’exorciser certains démons de son enfance et de faire se questionner sur sa propre hérédité. L’artiste va le transformer, le travailler dans différentes recherches de plus en plus imaginatives et oniriques. Elle le façonne, joue autour de sa structure et de sa torsion pour arriver tout naturellement à la spirale de la double hélice de l’ADN. A travers cette nouvelle orientation créative, l’artiste nous transmet un peu de son propre ADN. Exposée dans le monde entier, Laurence Jenkell a commencé à beaucoup voyager. Elle a été saisie par l’architecture environnante liée parfois à une actualité déchirante. Elle a aujourd’hui décidé de s’en inspirer pour s’ouvrir à un univers plus architectural. Cette nouvelle oeuvre à la construction parfaite est composée de bâtiments que malgré tout l’être humain n’a pu s’empêcher de détruire. En construisant ces pièces, elle a pénétré l’univers complexe de l’Homme face à l’évolution de son environnement et sa dépendance à la machine. Une nouvelle inspiration lui a été révélée : le Robot, interprète de cette complexité et thème très puissant de cette toute dernière série. Le travail de Laurence Jenkell s’inscrit dans une démarche à la fois intellectuelle et culturelle, il est présent dans plus de 25 pays. Elle fait partie d’importantes collections privées, publiques et institutionnelles. JOSEPH est né à Paris, le 22 octobre 1961. Il vit et travaille dans le sud de la France. Présent sur la scène artistique dès 1985, Joseph est influencé par tous les symboles d’une culture populaire de masse, il fait partie de cette nouvelle génération d’artistes prolixes animée par un désir de dialogue en opposition à la radicalité des années 70. Se nourrissant du travail de ses pairs, cet artiste plasticien s’empare de tous les médiums et détourne les vieux papiers témoins de notre culture contemporaine. Après avoir étudié l’architecture à l’EDPI puis les arts graphiques à l’école Sornas, Joseph accompli sa préparation à l’école des Beaux Arts où il étudiera la peinture et le dessin, son dilettantisme le conduisant plus souvent à arpenter les allées des musées parisiens que les couloirs de la rue Bonaparte. Alors que le travail des Nouveaux Réalistes, principalement Hains et Villeglé le passionnent, c’est sa rencontre avec celui d’Antoni Tapiès qui se révélera déterminante. Il s’interroge sur la question de l’intervention essentielle des pigments et des pâtes comme unique forme d’expression. Joël MOENS DE HASE. En trame de fond, des milliers de fragments photographiques de courbes féminines. En avant-plan, une image emplie d’intensité, un symbole d’intimité, un visage. Les photomosaïques de Joël Moens de Hase naissent en 2011. Elles sont rapidement remarquées par un public national et international, très réceptif. Cet art digital alternatif, contemporain du pixel art et du pointillisme, étonne et séduit par l’originalité et l’esthétisme de son concept. Il est témoin de son temps. Il provient d’innombrables sources différentes mais surtout, de la libération d’un esprit futuriste, celui de cet artiste belge né en 1959. Un véritable hommage à la sensualité, une explosion de couleurs qui libère l’imagination et attise les sens. Nick VEASEY. Les oeuvres de Veasey tiennent des exemples classiques de la fusion entre l’art et la science. Les résultats dépassent le travail de photographie et se rapprochent de la radiographie. Ainsi les institutions scientifiques et les galeries d’art ont porté un point d’honneur à présenter sa production. Le Victoria & Albert Museum de Londres a d’ailleurs récemment ajouté son travail à la Collection Nationale Britannique de la Photographie. Dans le monde actuel obsédé par l’image, la superficialité et l’artifice, Veasey réplique à de telles distractions insignifiantes en inspectant l’intérieur et en découvrant de quoi les choses sont effectivement faites. Par son travail, les métaphores imagées apparaissent nombreuses et variées. Leur teneur reste très pertinente dans une société moderne usant à grandes fréquences de l’utilisation de la technologie à rayons-X à des fins de sécurité et de surveillance. Le travail de l’artiste, assurément considéré comme un projet qui exploite et maitrise la technologie moderne, institue de nouvelles limites à la perception et à l’art. Au lieu de transformer, il expose ce qui a toujours été : des objets que nous pensions connaître. La création par le biais de radiations reste complexe et dangereuse, mais les résultats encouragent continuellement Nick à poursuivre et à expérimenter.
Grégory WATIN est un artiste français, né en 1976. Il vit et travaille à Arras. De par ses origines, son travail est fortement imprégné par le monde ouvrier : les personnes, les lieux, les matériaux. Grégory Watin est un artiste d’une incroyable modernité. Même s’il a quelques filiations avec l’arte Povera et le Pop Art, il a su trouver son propre style et se situe parmi les artistes les plus ancrés dans leur époque. Toujours en questionnement, Grégory Watin exploite les matériaux les plus insolites comme la matière brute des chantiers et le plexiglas, qui deviennent ainsi les symboles de notre civilisation en quête de sens. Ses dernières oeuvres redonnent au corps masculin une place étonnante qui nous interpelle sur la notion de paraître. Un artiste incontournable.
Les stands institutionnels
ARAHM (Association Régionale l’Aide aux Handicapés Moteurs), France
L’Association Régionale l’Aide aux Handicapés Moteurs organise depuis de nombreuses éditions
une exposition d’oeuvres réalisées par les handicapés.
BASEL TOURISMUS, Suisse
Promotion des lieux culturels et de la destination Bâle.
FONDATION FERNET BRANCA, France
La fondation Fernet-Branca est un espace de plus de 1 500 m2 destiné à l’art contemporain. Il a ouvert ses portes en 2004 à Saint-Louis à la suite de l’arrêt de la production du Fernet-Branca le 22 juillet 2000. Prenant place dans l’ancienne distillerie, il a tout d’abord la forme d’un musée avant de devenir une fondation d’utilité publique en 2011.
KTG Karlsruhe Tourismus GmbH, Allemagne
Promotion des lieux culturels et de la destination Karlsruhe.
LA CHAMBRE, France
Installée place d’Austerlitz, au coeur de Strasbourg depuis 2010, La Chambre, espace d’exposition et de formation à l’image accompagne les évolutions du médium photographique et s’intéresse à ses interactions avec les autres champs artistiques. Par le biais de six expositions annuelles dans son espace, ainsi que de nombreuses expositions hors les murs, La Chambre promeut des artistes français ou étrangers, émergeants ou confirmés. Elle développe un vaste programme de formations à destination de photographes amateurs ou confirmés et déploie une expertisereconnue en termes de médiation culturelle et d’accompagnement de publics spécifiques (scolaires, personnes en situation de handicap ou en insertion, séniors etc...) lors d’ateliers autour de l’image.
REGION GRAND EST, France
ST-ART accueillera les 3 plateformes de diffusion des lieux culturels de la région Grand Est : Versant Est, LoRA, Bulle.
SAAMS (Société des Amis des Arts et des Musées de Strasbourg), France
Créée en 1832, la Société des Amis des Arts et des Musées de Strasbourg (SAAMS) a pourbut de développer auprès de ses membres le goût et la connaissance des arts, notamment en proposant des conférences, des visites guidées, des sorties et voyages culturels ; participer au développement et au rayonnement des musées, en contribuant à l’enrichissement et à la mise en valeur de leurs collections, grâce à des dons, des achats et des dépôts d’oeuvres d’art ; soutenir la création artistique en décernant chaque année à l’occasion de ST-ART le Prix Théophile Schuler. Ce prix récompense un jeune artiste (moins de 35 ans) travaillant et résidant en Alsace.
SACERD’ART, France
Sous la direction de Samuel Lusseau, Sacerd’ART accompagne les particuliers et les entreprises dans l’acquisition d’oeuvres d’art grâce au leasing et à la défiscalisation.
VILLE DE MANNHEIM, Allemagne
Promotion des lieux culturels et de la destination, Manheim.
Les événements
ST-ART propose un cycle de plusieurs conférences organisées en amont de la foire :
• Les défis de l’estampe contemporaine : un challenge pour les artistes, un accès pour tous à la création. Jeudi 26 septembre 2019 de 19h à 21h - PMC - conférence suivie d’un cocktail
De nouvelles techniques d’édition apparaissent sur le marché, quelles sont les critères de valeur de ces nouvelles techniques ? Pourquoi acheter de l’estampe aujourd’hui ? L’estampe entre plaisir et investissement...
Intervenants :
Nancy Sulmont - Le petit Jaunais, Nantes
Thierry Lacan - Galerie de l’Estampe, Strasbourg
Claire Gauzente - Professeure des Universités Nantes / Économie & Management
Débat Animé par Pierre Jean Sugier, Directeur de la Fondation Fernet Branca Saint Louis
• Le design contemporain, un art de vivre au quotidien. Jeudi 3 octobre 2019 de 19h à 21h -
PMC - conférence suivie d’un cocktail
Entre objet industriel, et objet d’art, le design touche aujourd’hui tous les domaines.
À la croisée des disciplines tout aussi différentes que l’art, l’architecture, les sciences et la biologie, le design est en phase avec son époque, mais peut-on définir aujourd’hui qu’est-ce que le design ? Quelles sont les valeurs que nous pouvons donner à un objet de design ?
Intervenants :
Clement Sauvoy - Journaliste, collectionneur, membre de l’ADIAF
Jean-Bernard Hebey - Collectionneur, animateur de radio et de télévision, membre de l’ADIAF
Guy Bloch-Champfort - Avocat international, journaliste, collectionneur, membre de l’ADIAF
• La défiscalisation.
ST-ART organise une conférence à destination des entreprises afin de les informer sur la défiscalisation des oeuvres d’art. L’acquisition d’une oeuvre d’art donne à l’entreprise une image dynamique et performante, avec des répercussions extrêmement positives. La présence d’une oeuvre d’art apporte créativité et bien-être au sein de l’entreprise et a un impact favorable dans la relation avec les visiteurs. Une déduction spéciale est prévue en faveur des entreprises qui achètent des oeuvres originales d’artistes vivants pour les exposer au public. De nombreux aspects seront ainsi abordés durant cette conférence, notamment : Comment inscrire une acquisition en galerie dans le cadre du dispositif du mécénat ? Comment faire le choix des oeuvres et des artistes ? Comment adapter sa stratégie à son budget ? Autant de questions auxquelles les intervenants apporteront des réponses.
ST-ART 2019, 24e édition
Du 15 au 17 novembre 2019
Vernissage : jeudi 14 novembre de 15h à 22h (sur invitation)
Ouverture au public : du 15 au 17 novembre de 11h à 20h
RENSEIGNEMENTS
+ 33 (0)3 88 37 67 67
www.st-art.com
LIEU ET ACCÈS
Parc des Expositions - Hall 1 - Rue Fritz Kieffer, 67000 Strasbourg
Tramway : lignes B et E, station Wacken
Voiture : autoroute A350, sortie 1, direction Wacken - Parc des Expositions
Train : http://www.voyages-sncf.com/
Avion : http://www.strasbourg.aeroport.fr/index.php
Profitez de tarifs préférentiels en réservant en ligne chez Air France KLM avec le code : 33883AF
Taxis, navettes : www.taxi13.fr, www.taxistrass67.fr, www.navette67.com
TARIFS
Plein tarif : 18 €
Tarif duo : 27€ pour 2 personnes
Tarif internet : 12 €
Tarif professionnel/réduit : 9€ (galeries d’art, amis musées, étudiants…)
Gratuit pour les enfants de -16ans
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